巴洛克时期 1600-1750 （一）

“巴洛克”这个词汇最早是由十九世纪的艺术评论家用来总结十七世纪的艺术风格，主要表现在绘画和建筑中令人赞赏的绚丽装饰和表现主义的倾向。到了二十世纪，音乐历史学家用“巴洛克”这一术语来概括1600 – 1750年的音乐，是因为他们认为，音乐同建筑、绘画、文学，甚至科学和哲学，有种相同的性质。就像其他时代一样，上下限的时间只是大约的，很多这一时期的特点出现于1600年以前，而很多特点到十八世纪三十年代才衰退。但是在1600-1750年的年限中，作曲家们接受了一套常规，用来组织音乐，共享这种音乐应该如何表达的理想。最重要的是，他们认为音乐的主要目标是打动人的情感。

地理和文化的背景

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意大利人统治了这一时期的音乐思想。到了巴洛克时代的末期，欧洲的音乐实际上已经变成了以意大利为根源的单一体系。从十六世纪中期到十八世纪中期，意大利始终是欧洲最有影响力的音乐地区。意大利的一些城市在音乐上显得很突出，与它们的地域大小和政治力量不成比例。例如，弗罗伦萨在十七世纪初曾主导了戏剧音乐创新的一个辉煌时代。罗马对宗教音乐发挥了长期的影响，并在一个时期中成为歌剧和器乐的重要中心。威尼斯在整个十七世纪中都是一个主要的音乐城市，并成为歌剧中心。同时，博洛尼亚和其他北方城市都见证了器乐的重大发展。

即使在法国这样一个坚持自己独特民族语汇的国家，也不能完全摆脱意大利的影响，特别在十七世纪上半叶影响更加强大。它自己的民族音乐风格，出现于十七世纪三十年代，并影响了一百多年。但讽刺的是，为建立这种民族风格作出巨大贡献的作曲家却是一位弗罗伦萨人，他十三岁时就被带到法国，教一位贵妇人练习意大利口语。

在德国，作曲家们在意大利风格上建立起自己的音乐，尽管政治上不统一，但随后几代人却享受到了音乐的复兴，最显著的就是通过约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的音乐。巴赫的艺术也要更多地归功于意大利，而亨德尔的作品中，意大利风格同德意志风格则各占一半。

1600 – 1750年，富有的专制政府统治着欧洲，它们的保护制度帮助培植了音乐的新体裁，欧洲许多的宫廷都是音乐文化的重要中心。像威尼斯这样的城市，以及许多法国北部的城市，都维持着音乐的设施，其中既有宗教的也有世俗的，当然教会本身也是继续在支持音乐的发展。由于有贵族、市民和宗教的保护制度，许多城市都有“音乐协会”（Academies），这是资助音乐活动的私人团体。订票或付费的公众音乐会在当时还不是常见的。

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新的音乐语言及音乐风格

音乐深受学术和艺术领域变化的影响。十七世纪时，哲学家摒弃了思考世界过时的方式，提出了新的解释。音乐家们也扩大了他们的理念，以满足在表达上新的需求。从文艺复兴时期所继承下来的音乐体裁，被加入了更为激烈和多样的感情。十七世纪早期的音乐是试验性的，到了这一世纪中期，新的和声、色彩和曲式合并成为一种通用的语言，有着固定的词汇、语法和句法。

作曲家和观察家们都承认，他们从上几个世纪继承了多种风格，但大体上可分成两种常规。在第一常规中，音乐支配歌词；而在第二常规中，歌词支配了音乐。在新的风格中，古老的规则能够被打破，可以自由地使用不协和音来表达歌词所引起的情感。也有人把这两种常规称为古老风格和现代风格，或严谨风格和装饰风格。

到了这一世纪中期，理论家们提出更为复杂和全面的风格分类系统，最为人们广泛接受的是三种分类：教会，室内和戏剧音乐。每个独特的风格都有特别的社会功能和某些技术上的特点。但是，到了这一世纪末期，作曲家们不再在意这些区别，以几乎同样的方法写作三种不同类型的音乐。

复调音乐倾向于一体化的器乐和声乐的写作。其中很多音乐几乎都能由人声和器乐的任何结合来演唱或演奏。这个时期，弦乐乐器的制作和改良使其在意大利被广泛使用，因为强有力的下弓和温柔的上弓形成对比，产生了一种特别的音响效果。木管乐器在技术上的改进，使得它们适宜于户外的独奏演出。著名的声乐艺术教师和专家大力促进和推动演唱技巧、音色和发声的新标准。

声乐和器乐作品有一个共同的目标，即生动而有力地表达或体现广泛范围的情感，从十六世纪晚期的牧歌就能看出来。作曲家们寻求不同的音乐手段，来表现这样一些情感：愤怒、激动、高昂、英雄主义、傲慢、奇异、神秘和兴奋。作曲家们并非刻意企图去表现他们个人的情感，而是需要在普通的感觉中去体现这种情感。事实上，他们就故意远离自己的感觉，以便以一种更为客观的真实来表达各样的情感。在巴洛克时期的建筑、雕塑和绘画中，其正常的形式有时就被扭曲，以便这些形象能够体现出艺术家想象中的热烈的情感。同样的，在音乐中，作曲家们也打破了协和音或不协和音、规则的节奏流动等就规则的限制。但是，不像雕塑和绘画，音乐并非必须体现自然的物体，也不像建筑那样被媒介和功能的固定的物理要求所束缚。作曲家想象力所能及的任何方向，音乐都能自由地去扩大它的表现领域。这种自由促进了音乐情感力量的开拓，并在艺术门类中提高了它的地位。

同文艺复兴时期复调音乐平滑的节奏流动相反，巴洛克时期的音乐有的非常规则，有的非常自由。规则的舞蹈节奏是早期很多器乐的特点，但是直到十七世纪，大多数音乐才开始用小节线划分小节，暗示着强拍和弱拍的区别。起初，这些样式并不常见，拍号与和声和重音的各种连续相一致，由小节线按规则的间隔划分，是到了这一世纪中期以后才变成的普遍现象。

作曲家们继续写作无伴奏的经文歌和牧歌，作曲的基础仍然是对位法，但它是一种新的对位法。这种由和声驱动的对位，其中的个别线条从属于和弦的进行，影响了整个巴洛克时代的音乐。

就像中世纪的调式体系一样，大小调体系也是在音乐实践中逐步发展起来的。习惯性地坚持使用某些技巧，如低音四度或五度的运行，一系列的属和弦的变化，转调到最靠近的大小调上去，这些最终形成一套完整的理论。恰如不断使用中世纪早期的某些旋律公式导致调式理论一样，十七世纪不断使用特定的和声与旋律的变换也导致了大小调理论的建立。